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Feb 01, 2024

Rosemary Hill · Im Courtauld: „Kunst und Künstlichkeit“ · LRB 7. September 2023

Mitte der 1990er Jahre kaufte ich ein Aquarell in einem angenehm heruntergekommenen Antiquitätengeschäft in Walmer, das ich früher häufig besuchte. Es zeigt zwei Boote, eine Yacht und einen Zwei-Trichter-Liner auf unruhiger See, und hat eine gewaltige Darstellung

Mitte der 1990er Jahre kaufte ich ein Aquarell in einem angenehm heruntergekommenen Antiquitätengeschäft in Walmer, das ich früher häufig besuchte. Es zeigt zwei Boote, eine Jacht und einen Doppeldampfer auf unruhiger See und hat einen kräftigen, aber billigen vergoldeten Rahmen. Das Gemälde ist in einem flachen, naiven Stil gehalten und erinnert an Alfred Wallis, obwohl die Farben nicht mit seinen übereinstimmen und es trotzdem signiert ist. In der unteren rechten Ecke sind die Initialen „SB“ in sorgfältiger Rundschrift hervorzuheben. Als ich nach Hause kam, sah ich braune Schimmelflecken am Himmel und fragte einen mir bekannten Bilderrahmer, der auch Restaurierungsarbeiten durchführte, ob er es stabilisieren könne. Er gab es mir mit einem neugierigen Gesichtsausdruck zurück, irgendwo zwischen einem Lächeln und einem Grinsen. Es gebe, erklärte er, keinen Schimmel. Die braunen Flecken waren absichtlich aufgemalt worden. Er schlug auch vor, dass die Initialen „SB“ für „Sexton Blake“ standen, was in der Umgangssprache „fake“ reimt, und das Monogramm war, das der Fälscher Tom Keating nach seiner Festnahme verwendete, um auf seine eigene Arbeit hinzuweisen. Ich glaube, der Gestalter hatte eine Enttäuschung von mir erwartet, aber ich war begeistert. Das Bild ist nicht so alt, wie ich es mir vorgestellt habe. Ich dachte, es wäre Anfang des 20. Jahrhunderts, während Keating erst nach 1977 begann, seine Werke zu signieren. Das spielte keine Rolle. Mein anonymes kleines Bild hatte einen Autor und eine Geschichte bekommen. Es war Teil der Zeitungssensation der 1970er und 1980er Jahre, bei der Keatings kriminelle Karriere aufgedeckt wurde, vor allem dank der Sorgfalt der Kunstkritikerin Geraldine Norman, die angesichts der Zahl der auf den Markt kommenden Samuel Palmers misstrauisch geworden war. Später half sie Keating beim Schreiben seiner Autobiografie und er machte mit seiner eigenen Fernsehshow Karriere als kleinerer Star.

Hat mir mein Bild mehr gefallen, weil ich darüber wusste? Optisch war es unverändert, obwohl ich die braunen Flecken jetzt anders betrachtete und mir klar wurde, dass der Rahmen Teil eines bewussten Versuchs war, ein Vorkriegsdatum des Gemäldes anzudeuten. Im Großen und Ganzen gefiel es mir als Bild genauso gut, aber ich mochte es lieber als Objekt, um seine Geschichte kennenzulernen. Die puristische Argumentation besagt, dass das, was wir über ein Bild oder einen Gegenstand wissen oder zu wissen glauben, keinen Einfluss auf ein ästhetisches Urteil haben sollte. Aber, so das Gegenargument, könne es jemals ein ausschließlich ästhetisches Urteil geben? In den philosophischen Debatten über die Psychologie der Wahrnehmung, die im späten 18. Jahrhundert tobten, verwies Uvedale Price darauf, dass eine kleine Skizze eines großen Künstlers allein aufgrund ihres assoziativen Wertes immer begehrter sei als ein fertiges Werk eines unbekannten Künstlers . Eine kleine Aquarell-Meereslandschaft von John Constable, die zwar noch unvollendet ist, hinterlässt Wolken des reflektierten Glanzes der vertrauten romantischen Landschaften und der atmosphärischen Intensität seiner großen „sechs Fuß großen“ Leinwände. Wenn sich jedoch bei der Papieranalyse herausstellt, dass es sich um ein Werk aus den 1840er Jahren handelt, wahrscheinlich von Constables Sohn Lionel, sieht es plötzlich ziemlich dünn und uninteressant aus. Eine solche „Fälschung in der Art von John Constable“ ist in der äußerst unterhaltsamen Ausstellung „Art and Artifice: Fakes from the Collection“ der Courtauld Gallery (bis 8. Oktober) zu sehen, mit einer Bildunterschrift, in der erklärt wird, dass Constables Familie nach seinem Tod im Jahr 1990 von Händlern unter Druck gesetzt wurde 1837, ihm möglichst viele Werke zuzuschreiben. Die Ästhetik der Assoziation lässt sich in bares Geld ummünzen.

Eine Fälschung im Stil von Georges Seurat (ca. 1890-1920)

Die Ausstellung untersucht die verschlungenen Auswirkungen von Ethik und Ästhetik, Kriminalität und Kennertum in Bezug auf bestimmte Kunstwerke, von denen Courtauld einige als anerkannte Fälschungen zu Studienzwecken erwarb, während andere in Unschuld gekauft oder von unvorsichtigen Sammlern vermacht wurden. Es gibt ein paar Schrecken. Es ist schwer vorstellbar, wie Mark Gambier Parry, zu dessen Nachlass ein Exemplar venezianischer Touristenkeramik aus dem 19. Jahrhundert gehörte, von dem jemand die Fabrikmarke abgekratzt hatte, jemals glauben konnte, dass es sich um ein Stück Renaissance-Majolika mit einem zeitgenössischen Porträt des Dogen handelte Marco Barbarigo. Aber die meisten Exponate sind schreckliche Warnungen vor Selbstzufriedenheit. Besucher sind eingeladen, ihr eigenes Auge auszuprobieren, indem sie neben echten Stücken auch ein paar Fälschungen zeigen. Ich habe die Tiepolos richtig verstanden, war aber von den Constantin Guys ratlos, da ich mir seine Arbeit noch nie zuvor angesehen hatte. Ignoranz, Gier und Optimismus sind die Freunde des kriminellen Fälschers, und es bedarf einer Berechnung, sie auszubalancieren. Ein relativ unbedeutender Künstler wie Guys wird weniger einbringen als ein Michelangelo, lässt sich aber leichter ausgeben – obwohl die Ausstellung eine mutmaßliche Michelangelo-Skizze enthält, über die die Meinungen immer noch geteilt sind. Der entscheidende Moment der Chancen könnte dann kommen, wenn ein vernachlässigter Künstler plötzlich in Mode kommt, so dass die Nachfrage groß ist, die Wissenschaft aber immer noch begrenzt ist. Wer auch immer die flotte „Breughel“-Religionsprozession veranstaltete, nutzte die Wiederentdeckung seines Werks in den 1920er Jahren. In der Bildunterschrift steht nicht, wo es gemacht wurde, aber die lebendige, Kandinsky-artige Farbpalette riecht stark nach Europa der Zwischenkriegszeit. Es ist eine der Besonderheiten von Fälschungen, dass sie sich manchmal erst im Laufe der Zeit offenbaren. Einige von Han van Meegerens „Vermeers“, die in den 1930er und 1940er Jahren gemalt wurden, erinnern mit ihren kantigen Gesichtern und harten Schatten heute eindeutig an Art Déco.

Nicht alle sind so leicht zu erkennen. Das Courtauld hat die Geschichte seines eigenen van Meegeren, einer Kopie von „Die Kupplerin“ (um 1622) von Dirck van Baburen, retuschiert. In der Bildunterschrift heißt es, dass es „als Fälschung bekannt war“, als es Geoffrey Webb, einem Professor am Institut, übergeben wurde, der es 1960 der Sammlung schenkte. Dies war nicht der Eindruck, den die Betrachter im Jahr 2011 hatten, als das Bild erschien war das Thema der ersten Folge der BBC-Serie Fake or Fortune. Zu diesem Zeitpunkt behauptete der Courtauld, sich seiner Echtheit nicht sicher zu sein. Die Analyse des Pigments ergab, dass es Bakelit enthielt, einen 1909 patentierten Kunststoff, der sich zum schnellen Aushärten von Farbe eignet. Das Bild war Webb, der eine herausragende Rolle bei der Wiederbeschaffung der von den Nazis geplünderten Kunstwerke nach dem Krieg spielte, von einem niederländischen Kollegen als Dankeschön geschenkt worden. Ob der Kollege wusste, dass es sich um eine Fälschung handelte, ist unklar. Doch nichts davon hat dem Courtauld geschadet, denn wie der Händler Philip Mould der erstaunten Fiona Bruce in „Fake or Fortune“ verriet, erzielen van Meegerens heutzutage mehr als Baburens. Van Meegerens Karriere veranschaulicht anschaulich den Korkenziehercharakter des Fälschers als Künstler. Nach dem Krieg wurde er wegen Kollaboration vor Gericht gestellt, weil er einen Vermeer an Hermann Göring verkauft hatte, kam aber davon, als er vor Gericht erklärte, dass es sich um eine Fälschung handele und behauptete, er habe es getan, um das echte Erbe Hollands zu bewahren. Er wurde so etwas wie ein Nationalheld, weil er Hitlers Vizekanzler betrogen hatte. Schwieriger zu erklären war die in der Reichskanzlei gefundene Kopie eines von ihm selbst entworfenen Buches mit der Aufschrift: „An meinen geliebten Führer in dankbarer Hommage, von H. van Meegeren, Laren, Nordholland, 1942.“ Mit bemerkenswerter Unbekümmertheit behauptete van Meegeren, dass die Inschrift selbst eine Fälschung sei – und manche glaubten ihm.

„Die Kupplerin“ (Ende der 1930er Jahre) von Han van Meegeren

Laut der Ausstellung sind die beiden Hauptmotive, die Fälscher anführen, finanzieller Gewinn und der Wunsch, „die Experten zu täuschen“, wobei letzterer ebenso komplex und vielfältig in seinen Implikationen ist wie ersterer unkompliziert ist. Wenn jemals jemand nur des Geldes wegen gefälschte Bilder gemacht hat, gibt es hier nicht viele Beispiele. Eine mögliche Ausnahme ist die Kreidezeichnung eines Kopfes, die zu den 2400 vermutlich von Corot stammenden Werken gehörte, die in den 1920er Jahren erschienen und zum Zeitpunkt seines Todes im Jahr 1875 in seinem Atelier zurückgelassen worden sein sollen. Die Geschichte besagt, dass sie verborgen worden seien seitdem von seinen Vermietern relativ leicht gesprengt wurde.

Der Fälscher hat meist kompliziertere Gründe und den Wunsch, erwischt zu werden. Ein besonders eklatanter Fall aus den 1890er Jahren war Icilio Federico Joni, der in der Ausstellung auf einem Sepiafoto mit gewinnendem Wams und Hose zu sehen ist. Mit seinen „frühitalienischen“ religiösen Bildern, von denen ein plausibles Beispiel in Form eines kleinen Triptychons in der Ausstellung zu sehen ist, brachte Joni die Spätgotik auf die Spitze im wahrsten Sinne des Wortes. Der Fälscher weist oft einen solchen Hang zum Exhibitionismus auf, dass er zu seiner aufwändigsten Schöpfung werden kann. Tom Keating präsentierte sich als bescheidener Restaurator im Hinterzimmer, empört über die Machenschaften einer Kunstwelt, die Gemälde als Originale ausgab, obwohl sie so stark übermalt worden waren, dass es sich praktisch um Reproduktionen handelte. Er machte großen Wert darauf, dass er für seine Bilder nie Geld nahm. Was er über die Sammler dachte, die später dazu verleitet wurden, sie zu kaufen, oder über die unschuldigen Studenten und Besucher, die sie in öffentlichen Galerien sahen, ist weniger klar. Wie van Meegeren wurde er zu einer Art Robin-Hood-Volksheld, dem kleinen Mann – und fast alle Fälscher, zumindest diejenigen, die gefasst wurden, sind Männer – gegen das Establishment.

Doch der in der Show stark vertretene Fälscher des Fälschers nahm eine andere Pose ein. Eric Hebborn war Absolvent der Royal Academy, ein Freund von Anthony Blunt und der Urheber unzähliger gefälschter Zeichnungen alter Meister. Obwohl er gestand, wurde Hebbborn nie einer Straftat angeklagt. Zu viele persönliche und institutionelle Reputationen standen auf dem Spiel, als dass irgendjemand den ersten Stein werfen wollte. 1991 veröffentlichte er eine Autobiografie mit dem Titel „Drawn to Trouble“, in der er den Kunstmarkt anprangerte und später seinen Opfern, darunter den Courtauld, den Spieß umdrehte, indem er die Urheberschaft echter Werke in ihrer Sammlung „gestand“. Die Show beinhaltet eine Straßenszene von Guardi, von der Hebborn sagte, sie sei eine von ihm, wodurch der Courtauld in die Defensive gezwungen und seine eigene Sache bewiesen wurde. Dies gelang anhand fotografischer Beweise aus der Zeit vor Hebborns Geburt. Er hatte nicht das letzte Lachen. 1996, kurz nachdem sein Handbuch „The Art Forger's Handbook“ in italienischer Übersetzung veröffentlicht wurde, wurde er zusammengebrochen mit schweren Kopfverletzungen auf einer Straße in Rom aufgefunden und starb drei Tage später. Behauptungen und Gegenbehauptungen über sein Werk hallen weiterhin unangenehm durch eine Kunstwelt wider, die, mit der lobenswerten Ausnahme von Courtauld, die ganze Sache im Allgemeinen lieber vergessen würde.

Keating hatte eine Skala zur Beurteilung von Bildern, die nicht das waren, was sie erschienen. Es ging von Fehlern (unschuldige Kopien, die später falsch zugeordnet wurden) über überrestaurierte Originale bis hin zu absichtlichen Fälschungen und schließlich zu völligen Fälschungen, bei denen die Täuschung über das Objekt selbst hinausging und eine falsche Herkunft herstellte. Es gibt Beispiele für alle Ebenen in der Ausstellung, obwohl es schwierig ist, einen reinen Fehler zu definieren. Am unschuldigen Ende steht George Romneys Federstudie über die Beschwörung eines Geistes aus dem Theaterstück „Heinrich VI“, zu der der Buchhändler Walter Spencer die Initialen „WB“ hinzufügte, in der Annahme, dass es von William Blake stammte. Spencer neigte zu solchen Verbesserungen, und wie die Bildunterschrift mit einer Rücktrittserklärung zugibt, können „andere falsche Signaturen auf Originalzeichnungen in der Courtauld-Sammlung“ auf ihn zurückgeführt werden. Am aufwendigsten Ende befinden sich sorgfältig nachgebildete Atelierstempel und Passepartouts, die darauf hindeuten, dass ein Bild eine angesehene Privatsammlung durchlaufen hat. Der Bildhauer Egisto Rossi aus dem 19. Jahrhundert, der sich nebenbei mit gefälschten Zeichnungen beschäftigte, ging sogar so weit, eine mutmaßliche Jungfrau mit Kind von Giuseppe Passeri mit dem Heiligen Johannes mit einer Markierung in der Ecke zu verbessern, die an das Wappen der Medici erinnerte.

Es gibt jedoch einige Arten von Fälschungen, die sich weder in einer Galerie noch vor Gericht beweisen lassen: sogenannte Fernfälschungen, bei denen kein physischer Kontakt mit einem Kunstwerk erforderlich ist. Der Ruf des amerikanischen Kunsthistorikers und Kenners Bernard Berenson wurde stark beschädigt, als seine private Vereinbarung mit dem Händler Joseph Duveen ans Licht kam. Berenson erhielt 25 Prozent des Preises der Werke, die er beglaubigte, und wurde reich mit den Erlösen, die spätere Untersuchungen ergaben, waren manchmal sehr optimistische Zuschreibungen. Das Kennertum ist in den letzten Jahren in Ungnade gefallen, was teilweise auf den Verdacht widersprüchlicher finanzieller und akademischer Interessen und auch auf den Groll darüber zurückzuführen ist, dass es sich dabei um eine Domäne einer Elite handelt. Der anhaltende Streit um den derzeit unsichtbaren vermeintlichen Leonardo da Vinci, Salvator Mundi, hat nicht dazu beigetragen, das Vertrauen in Experteneinschätzungen wiederherzustellen.*

Wie die Courtauld-Ausstellung und die darauffolgende Serie „Fake or Fortune“ zeigen, wird die Technologie bei der Erkennung von Fälschungen sowohl nützlicher als auch vertrauenswürdiger. Eine Röntgenaufnahme des Joni-Triptychons zeigt die modernen Nägel, die es zusammenhalten. An dieser Stelle könnte man sich fragen, warum, wenn der einzige nachweisbare Unterschied zwischen diesem Stück und einem mittelalterlichen Stück in einigen normalerweise unsichtbaren Nagelköpfen besteht, der Cocktail aus Informationen und Assoziationen, der „Authentizität“ ausmacht, von Bedeutung ist, abgesehen von seiner Auswirkung auf den Preis. Die Antwort, so argumentiert die Ausstellung implizit, ist, dass sie für das Verständnis der Geschichte und der Arbeit einzelner Künstler wichtig ist. Bei der Beschreibung einer gefälschten Rodin-Zeichnung weist Courtauld darauf hin, dass der „klumpige weibliche Akt“ „unbeholfen und hölzern“ sei und daher nicht von Rodin, ein Urteil, das davon abhängt, dass es genügend echte Rodins gibt, um zu wissen, dass er, selbst an einem freien Tag So schlimm war es noch nie. Wenn Jonis hübsche, sanftäugige Jungfrau mit ihren präraffaelitischen Begleitheiligen als echt angenommen worden wäre, hätte sie unser Verständnis der mittelalterlichen Ästhetik und religiösen Bilder leicht verändert und im Laufe der Zeit vergleichsweise mehr Fehlzuschreibungen zugelassen, bis ein ganzes Stück der Vergangenheit angehörte war deutlich verzerrt.

Das verlockendste Bild der Show steht auf Messers Schneide. „Akt mit blonden Haaren“ wurde von Samuel Courtauld selbst als Seurat gekauft. Seurats Freund Félix Fénéon, der sein Werk katalogisierte, hatte ihm gesagt, dass es echt sei, ein frühes Gemälde, das entstanden sei, als Seurat seinen pointillistischen Stil formulierte. In der Bildunterschrift wird darauf hingewiesen, dass es sich bei der Signatur um eine spätere Ergänzung handelt, der Haupteinwand dagegen – der es zu „einem der rätselhaftesten Werke der Sammlung“ macht – ist seine „schlechte Qualität“. Aber das Argument, dass es nicht von Seurat stammt – selbst in jungen Jahren und in der prägenden Phase seiner Karriere, weil Seurat nie etwas so Schlechtes gemalt hat – ist zirkulär. Fénéon kannte ihn. Ich wette, dass es echt ist.

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Charles Hope diskutierte den Salvator Mundi im LRB vom 2. Januar 2020. Die Antworten wurden in den folgenden beiden Ausgaben veröffentlicht.